El Misionero y el Niño

Les cuento que desde 1971 en Uganda, llegó una dictadura. El sanguinario mandato de Amin se caracterizó por los constantes abusos contra los derechos humanos, la represión política, persecución étnica, asesinatos extrajudiciales, nepotismo, corrupción galopante y una gestión económica atroz. No existe una cifra exacta de las muertes que su régimen genocida causó, si bien algunos observadores internacionales y asociaciones en pro de los derechos humanos estiman que entre 100.000 y 500.000 personas murieron asesinadas. Pero esta dictadura acabó cuando llego el gobierno de Tanzania, pero las cosas no mejoraron.  La pobreza aumentaba, la comida no era suficiente para nadie, la calidad de vida tan baja llevo a que mucho murieran.

Fue tomada en abril de 1980 por el fotógrafo inglés Mike Wells en Karamoja y retrata el momento en que un misionero blanco sostiene la mano de un pobre chico hambriento. Su tremenda crudeza y la forma tan gráfica en que retrató el drama ugandés le valió el premio a la mejor fotografía del año del World Press Photo. Este ejemplo de imagen emotiva del niño en Uganda y la mano con un misionero nos marca contraste entre las dos personas que sirve como un recordatorio de la brecha de riqueza entre países desarrollados y en desarrollo. Mike Wells, el fotógrafo, tomó esta foto para mostrar el grado de inanición en África. Wells nunca quiso entrar en una competencia, menos ganar una con una foto de un niño de hambre. Pero hay que tener en cuenta que el simplemente había mandado la foto para que la publiquen sin embargo la editorial decidió enviarla para que ganase aquella competencia. Mike se sentía más que avergonzado por ello.

Retrato del artista adolescente

Es una novela semiautobiográfica escrita por James Joyce, publicada en 1916. La verdad el nombre de esta novela, me llamó mucho la atención, es la historia de un muchacho llamado Stephen Dedalus. El apellido del personaje hace clara referencia a Dédalo, el arquitecto y artesano de la mitología griega dédalo, en castellano, es también «laberinto».
La obra está contada desde el punto de vista del propio Stephen, como si fuera un monólogo. La novela habla en general de  las luchas de un joven sensible en contra de las convenciones de la sociedad burguesa de su tiempo, en especial las católicas e irlandesas.
Si nos ponemos a pensar este libro se publicó en  plena Guerra Mundial, el año en que se produjo el levantamiento de Pascua, en Dublín, que inicia la Guerra de la Independencia contra los ingleses. La novela tiene mucho de autobiográfico. Su lectura es casi como un viaje al alma del Joyce adolescente, a sus anhelos, a sus miedos y a sus primeras experiencias, aunque comienza con una hermosa y tierna escena protagonizada por Stephen Dedalus cuando todavía es "el nene de la casa" y vive sin preocupaciones recibiendo todas las atenciones familiares.
Al igual que el autor irlandés, Stephen Dedalus va a estudiar con los jesuitas, toda una institución en Irlanda. Se trata de una educación en la que los castigos físicos están mas que presentes. El protagonista es víctima de una injusticia por parte de uno de sus profesores, pues, aunque Dedalus está exento de hacer los deberes por haber roto sus lentes, el jesuita cree que se trata de una mentira. La descripción del dolor y la humillación ante un palmetazo en su mano, dan idea de la maestría de Joyce a la hora de plasmar toda clase de sentimientos:
"Un golpe ardiente, abrasador, punzante, como el chasquido de un bastón al quebrarse, obligó a la mano temblorosa a contraerse toda ella como una hoja en el fuego. Y al ruido, lágrimas ardientes de dolor se le agolparon en los ojos. Todo su cuerpo estaba estremecido de terror, el brazo le temblaba y la mano, agarrotada, ardiente, lívida, vacilaba como una hoja desgajada en el aire. Un grito que era una súplica de indulgencia le subió a los labios. Pero, aunque las lágrimas le escaldaban los ojos y las piernas le temblaban de miedo y de dolor, ahogó las lágrimas abrasadoras y el grito que hervía en la garganta."
Como él pertenece a una doctrina religiosa, el tiene la posibilidad del perdón. Toma a la vida en la Tierra como una mera transición, una prueba de la que depende lo verdaderamente importante: una eternidad de cielo o infierno. He aquí la propuesta del catolicismo como modelo de vida, una apuesta personal en la que está en juego la vida futura, la auténtica. Aunque posteriormente Dedalus-Joyce se volverá un descreído y decide dedicarse plenamente a la literatura, una educación como esta marca para toda la vida. Es conocido el pavor de Joyce ante las tormentas, que interpretaba inconscientemente con manifestaciones de la ira divina. En realidad, lo que hacen los jesuitas es impregnar en el joven un sentimiento permanente de angustia, de prevención en las acciones, como si estuviera eternamente vigilado y juzgado.
Todos los hechos del relato suceden en una Irlanda que no puede ser bien comprendida sin el prisma obvio de los movimientos políticos y el catolicismo siempre imperante, cuya influencia en la temática demuestra cómo la religión es una de las mayores obsesiones de Stephen, frente a tantas otras fijaciones que conforman el brillante Sol que es su existencia. De este modo, el joven no evita deslumbrarse con todo lo que lo rodea en todos los lugares y espacios que frecuenta, mostrándose reflexivo, pasional y rebelde frente a lo que recibe como enseñanza, cuestionando y cuestionándose constantemente. Por lo mismo, tampoco evita describir todo a su manera y bajo una gama de sensaciones infinitas que se combinan y multiplican bajo la percepción de los mismos limitados cinco sentidos a los cuales recurrimos normalmente, formándose de esta manera una infinidad de posibilidades de narrar bajo una sinestesia continua.

Citas de James Joyce:

"La historia, dijo Stephen, es una pesadilla de la que intento despertar."
"Los genios no cometen errores. Sus errores son siempre voluntarios y originan algún descubrimiento."
"Ya que no podemos cambiar de país, cambiemos de tema."
“He puesto muchos laberintos y enigmas que mantendrán ocupados durante siglos a los profesores discutiendo sobre lo que yo quería decir. Es la única manera de lograr la inmortalidad.”
“Me hablas de lengua, patria y religión. Esas son las redes de las que he de procurar escapar.”
“La irresponsabilidad es parte del placer del arte. Es la parte que las escuelas no saben reconocer.”
“Tú pretendes meterme esa idea en la cabeza, pero te advierto que yo no tomo mis ideas de los demás”

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Jackson Pollock

Como verán este hombre fue, digo fue porque murió en 1956, artista influyente de Estados Unidos.  Referente de un gran movimiento el expresionismo abstracto.  Su trabajo en un inicio estuvo relacionado con el Surrealismo.  Los críticos del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista.
Muchos creen que sus cuadros estuvieron influenciados por Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano, método que había utilizado para superar su alcoholismo. Pollock había probado  materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos entre otros.
Se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindó todo su apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de Pollock. De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo. Digo corta vida, porque este gran pintor murió a los 44 años, luego de un accidente de choche en 1956.
El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.
Hay que tener en cuenta que el “Action painting”, que consistía en posicionar el lienzo en el suelo y utilizar los pinceles de forma rígida, contundente y con movimientos rápidos, bruscos y autómatas. Busca el desplazamiento del propio artista alrededor del lienzo para sincronizar ese movimiento. Esto es la clave que representa el carácter marcado de su obra, que está impregnada de movilidad y un caos con un cierto orden en sí mismo. De esta gran concepción de la pintura se desata otra de las técnicas creadas por este gran genio; el “dripping”. Esto consiste en la utilización de la pintura con toda su propia vitalidad y dinamismo puro, usaba los botes de pintura con una perforación en su parte inferior para que la pintura se aplicara sobre el lienzo goteando, con movimientos bruscos y de dirección cambiante. También se lanzaba la pintura contra el lienzo y el uso de aerosoles. Solía ser siempre pintura acrílica con la que trabajaría sus obras. Otro de los grandes términos que marcaran su trabajo artístico es el “all-over” que consiste en no dejar espacio alguno sin cubrir, buscando crear una atmósfera completa y sin limitaciones de marcos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado «Jack the Dripper», «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador», y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century.
Como punto final para poder comprender al autor ante la creación de la obra y la explicación de los términos anteriores, el siguiente testimonio del propio Pollock consigue aclararnos esta dimensión:
Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien”
Pollock hizo del action painting una manera de expresión libre, rompe con el típico arte de usar lápiz, de usar sólo el pincel para retocar y pintar de forma perfecta. Él nos hace ver por medio de sus obras esa libertad de expresar esa emoción de caos, de desorden, de una mezcla de muchas inquietudes, etc.
Como podrán ver este pintor, fue un revolucionario en el siglo XX, lo han conmemorado como uno de los mejores artistas de ese siglo. Es tan grande su labor, que han hecho una película estadounidense  en su honor, se llama “Pollock” en el año 2000, producida y dirigida por Ed Harris. Los actores, Marcia Gay Harden, Val Kilmer y Amy Madigan en los papeles principales.
El film narra la vida de Jackson Pollock, de compleja personalidad y su adicción al alcohol, desde que busca el éxito entre el mundillo artístico en la década de 1940, hasta su muerte en 1956.
Para que vean si quieren el trailer de la película (está en Ingles): Trailer de Pollock 2000

Frases Jackson Pollock

“La pintura tiene una vida propia. Yo trato de dejar que aflore.”
“En el piso me siento más a gusto. Me siento más cerca, más una parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar en los cuatro lados y estar literalmente en la pintura.”
“No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc. Porque la pintura tiene vida propia.”
“Cuando estoy en mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo.”
“La pintura es un estado del ser... Todo buen artista pinta lo que es.”
“¿Cómo sabe cuándo termina una pintura?  Pollock: ¿Cómo sabes cuando terminas de hacer el amor?”

Linkin Park

Linkin Park es una banda estadounidense de rock procedente de California. Formada en 1996, el grupo estuvo inicialmente integrado por Mike Shinoda, Dave Farrell, Joe Hahn, Brad Delson, Rob Bourdon y Mark Wakefield como voz principal. La banda inició en ese mismo año sus primeros trabajos musicales de manera independiente y posterior a esto grabaron Xero; sin embargo no tuvieron gran éxito en la búsqueda de un sello discográfico lo que ocasionó la renuncia de Mark Wakefield. Poco después Chester Bennington se incorporó a la banda como vocalista; el grupo realizó su primera presentación en un club de Los Ángeles y Jeff Blue, en aquel entonces vicepresidente de Warner Bros. Records, apoyó a la banda y después de haberse enfrentado a repetidos rechazos, lograron firmar con el sello en 1999. El nombre del grupo es un juego de palabras haciendo referencia al Lincoln Park en Santa Mónica.
En 2000 el grupo lanzó su álbum debut titulado Hybrid Theory; de este se extrajeron los sencillos «Crawling», «Papercut», «In the End» y «One Step Closer»; los últimos dos, obtuvieron certificación de disco de oro en Australia. Hybrid Theory alcanzó el puesto número dos en el Billboard 200, fue el séptimo álbum más vendido de la década del 2000, y certificado con disco de diamante en los Estados Unidos y múltiple disco de platino en Europa.  El cuarto sencillo del álbum, «In the End», alcanzó su mejor posición en el segundo puesto de la lista Billboard Hot 100 (la más alta de la carrera de Linkin Park), y se quedó en ella por 38 semanas.
En 2003, la banda lanzó su primer álbum en directo titulado Live in Texas, grabado en el Reliant Stadium, en Houston, Texas. El disco obtuvo múltiples certificaciones de oro en Alemania, Nueva Zelanda, Reino Unido y Austria. Posteriormente, en 2008, sería lanzado otro álbum en vivo titulado Road to Revolution: Live at Milton Keynes.18
Su siguiente álbum de estudio, Meteora, fue publicado en 2003. Del álbum se extrajeron seis sencillos, entre los que se cuentan «Somewhere I Belong» y «Numb»; este último, recibió certificaciones de oro en los Estados Unidos y Australia. Ese mismo año, MTV2 nombró a Linkin Park como la sexta «Mejor banda en la era del vídeo musical» y la tercera «Mejor banda del nuevo milenio», detrás de Oasis y Coldplay.  Después de Meteora, la banda pospuso para un par de años más adelante su próximo material discográfico.  El grupo es conocido por su estilo musical característico que mezcla rock, rap y sonidos electrónicos, si bien desde sus inicios se le consideró como nu metal, hasta lo que fue su segundo álbum Meteora, en ese entonces optando por este género y por el rap metal, no obstante en su tercer disco Minutes to Midnight decidieron explorar en otros géneros, cambiando a un estilo más «suave», orientado al rock alternativo. Posteriormente con su disco A Thousand Suns registraron un estilo mucho más experimental, en el cuarto álbum consecutivo de la banda en alcanzar el número 1 en las listas de popularidad en su primera semana de ventas. La banda ha vendido 60 millones de discos y ha ganado dos premios Grammy.
Personalmente lo que a mi me gusta de Linkin Park son las letras de sus canciones, hablan de sentimientos personales o de conflictos de la sociedad. Algunas de problemas en la pareja, o de conflictos personales.  Hay otras que hablan de la guerra de Irak, o de la misma destrucción nuclear, del hambre, la pobreza.
Mientras que hay otras que « Este álbum es acerca de una guerra nuclear y en general cualquier tipo de guerra. En esta producción, se mezcla el concepto de las ideas humanas con la tecnología, es decir, los miedos que tienen los humanos con imaginar lo que va a suceder con el mundo en el futuro».  Mike Shinoda en una entrevista en MTV.
Linkin Park banda de rock alternativo, nu metal, con un camino por delante y una gran trayectoria. 

Frases de Linkin Park

Rob: "Me siento afortunado por tener la oportunidad de hacer un álbum con cinco de mis amigos mas próximos."

Mike: "Escribir letras y brindárselas a las personas es una experiencia muy gratificante, sin dudas soy un hombre de buena suerte."

Chester: "Lo que me mas me gusta de estar en la banda, es la oportunidad de crecer y aprender cosas con estos fabulosos músicos que además son mis amigos."

Chester: "Si te fijas siempre en lo material, el mundo te demostrará que estas equivocado."

Mike: "Hubo un tiempo en que realmente cuestionaba si todo lo que me sucedía era verdad, hoy no tengo dudas."

"Deja el pasado, vive el presente y espera el futuro"

"Cuando el rico hace la guerra, es el pobre quien muere"

"La parte mas difícil de terminar, es volver a empezar"

"Los recuerdos vuelven al escuchar tu voz"

"No desprecies a la gente ni la discrimines por dinero, porque vale más que eso"

Ser hipster

No sé si habrán escuchado hablar de esta subcultura contemporánea, dicen que surgió en los 90’s y sigue en el presente. Se cree que la palabra hipster viene de hip, que quiere escribir a cualquiera que conociera sobre la emergente subcultura afroamericana, lo cual incluía conocer de jazz.

Actualmente hipster hace referencia la tendencia hacia lo "alternativo" o "antimoda", moda urbana de clase media o clase alta, gente joven moviéndose de sus barrios al centro de la ciudad. A menudo los hipsters provienen y escapan de barrios o suburbios de clases acomodadas en las urbes a barrios de menor nivel pero más urbanos. En la cultura juvenil, hipster usualmente se refiere a personas jóvenes con el gusto de música alternativa, el skateboarding u otros deportes urbanos, un sentido irónico de la moda o una u otra manera de estilo "bohemio". Son típicamente asociados con la cultura alternativa, particularmente música alternativa, cine independiente o cualquier otra forma de música, indumentaria sacada de ventas de saldos y ropa usada, comida orgánica, beber cerveza local, escuchar radio pública, u otras elecciones de consumo no habituales. Suele frecuentar cafés culturales, bares pequeños o restaurantes acogedores y sus áreas de trabajo son las creativas, humanas o tecnológicas.
Ser un hipster significa ser dependiente de la tecnología y alejarte de las personas comunes, o sea ser un nerd a mayores escalas. Un hipster se define a sí mismo como una persona que piensa cuadrado, estúpida, poco hábil y muy nerd. Un hipster es una persona que gusta de tomar decisiones en contra del mundo y demuestra su dependencia a través de simples cosas como la música que escuchan, "Rock n roll" o "rock pesado", inclusive en su vocabulario: dicen muchas groserías y se ríen muy fuerte, para marcar aun mas su personalidad extrovertida y al mismo tiempo sensible. La realidad para un hipster es que el concepto de “no me importa” es utilizado con mucho respeto.
Nadie se reconoce como hipster.  Generalmente estos buscan ser alternativos, tratan de escapar de la moda. Escuchan música indie y ven cine alternativo. Si bien la mayoría de ellos odian el pop y a todos sus exponentes como Lady Gaga y Britney Spears (no necesariamente las odian, simplemente no escuchan su música), hay algunos que haciendo uso de su tolerancia pueden escuchar música de cualquier tipo. Pero bandas como Oasis son referentes dentro de esta subcultura. ¿Una banda más contemporánea? La estadounidense Foster the people. ¿Series? "Mad men". ¿Directores de cine? Quentin Tarantino y Wes Anderson.
Los hipsters más comprometidos tienen hábitos vegetarianos, ya sea por convicciones de salud o por apoyo a los derechos de los animales. El café es la bebida hipster por excelencia porque, al contrario del alcohol, no es relajante, sino estimulante y además fomenta el arte de la conversación.
Pero aunque tienen costumbres saludables, los hipsters no van al gimnasio ni hacen ejercicio obsesivamente porque rechazan la superficialidad derivada de los cuerpos perfectos en la publicidad y los medios.

Muchos de ellos pertenecen al ámbito de las artes, la tecnología y las letras. De acuerdo con estas preferencias, buscan profesiones que les permitan canalizar creativamente sus inquietudes intelectuales: artes visuales, fotografía, música, comunicaciones y carreras humanistas de diversos tipos. Generalmente tienen un blog, aunque ello no significa que todos tengan una ideología con un marco teórico o postura social crítica, como ocurre con otras tribus urbanas. Y precisamente esa falta de consistencia es la que les ha valido un sinfín de críticas.
La ropa usada o reciclada vintage, pantalones pitillos, camisas leñadoras a cuadros, zapatillas de colores como Nike, Reebok , Vans o Converse de caña alta en todas sus presentaciones, poleras con mensajes irónicos o totalmente lisas y con apariencia deslavada. Les encanta el cotelé café; utilizan en el cuello la kufiyya o pañuelo palestino; las mujeres usan abrigos de piel y leggings.
Casi elemental de su sello son los lentes con marco grueso de carey aunque no los necesiten. Circulan a pie, con su infaltable bolso cruzado de tela o de cuero viejo. Utilizan anteojos Wayfarer, los necesiten o no. El corte de cabello es también básico. El estilo debe ser limpio pero casual, con cortes convencionales casi sin peinar para indicar el rechazo a los convencionalismos del resto de la sociedad.

SER HIPSTER SE TRATA DE UN ESTILO DE VIDA QUE INTENTA ALEJARSE A  LAS PREFERENCIAS GENERALIZADAS

1.  Hip: El término hip  viene del inglés y se relaciona con una actitud relajada. En la década de los años 40 se identificaron como aficionados al jazz, pero desde los 90 describe a un grupo de personas  buscan  un sello individual en su personalidad, comparten puntos de vista liberales y se interesan por actividades como las artes, la arquitectura el diseño y la moda.
2. Cambia tu guardarropa: El objetivo es lucir relajado y sin ninguna preocupación, la moda es el punto más Importante que cuida un hipster. Los básicos incluyen jeans entubados, tanto para mujeres como hombres y reciclar la ropa del armario de tu abuela como opción vintage.
3. Elige un peinado: El cabello es un medio vital de  expresión para los hipster, córtalo asimétrico o mantenlo  muy largo,  barba y el bigote es un must que deben explotar.
4. Adopta estilos rápidamente: Los hipster  pueden identificar algo previo a que sea popular. Muchas tendencias   iniciaron hipsters  y muchos gadgets son preferidos primero por ellos.
5. Elige qué escuchar. La música emergente, independiente y nueva es un elemento clave  en la para  un hipster. Entre más desconocida, lejana y difícil de pronunciar sea la banda que escuchas será  mejor. También retoman  los clásicos del rock y coleccionan  discos de vinil difíciles de conseguir.
6. Usa palabras complicadas: Presumen de un  vocabulario amplio al usar palabras que pocos comprenden. Desde conceptos filosóficos hasta anglicismos, el universo es amplio para sonar fuera de lo común.
7. Interésate por el arte: Los hipsters  tienen un gran sentido artístico y lo  explotan través de la fotografía, la literatura, la música, la pintura o el cine…o suelen combinarlos. Es importante identificar y seguir  artistas emergentes.
8. Sé eco-friendly: Se preocupan  por el medio ambiente generalmente reciclan y consumen productos biodegradables,  si no eres vegetariano, tal vez quieras intentarlo porque serlo es muy hipster.
9. Conéctate: Gadgets y  aplicaciones son elementales para un hipster, estar  al tanto de las tendencias es un deber. En redes sociales debes preferir Tumblr y estar en contra de que Instragram se vuelva popular.
10. Mantén la actitud: Irónicamente, lo más importante de ser hipster es negarlo. Nunca reconozcas que lo eres.

El niño africano y el buitre

Es una de las fotografías mas conocidas, unas de las mas tristes que mostró la realidad en la que vive África, la foto fue tomada por Kevin Carter.

Dicen que: La cámara funciona como una barrera que lo protege a uno del miedo y del horror, e incluso de la compasión

Un hombre blanco perfectamente bien alimentado observa cómo un niño africano se muere de hambre ante la mirada expectante de un buitre. El hombre blanco hace fotos de la escena durante 20 minutos. No es que las primeras no fueran buenas, es que con un poco de colaboración del ave carroñera le salía una de premio, seguro. Niño famélico con nariz en el polvo y buitre al acecho: bien; no todos los días se conseguía una imagen así. Pero lo ideal sería que el buitre se acercara un poco más al niño y extendiese las alas. El abrazo macabro de la muerte. ¡Ésa sí que sería una foto! Pero el hombre esperó y esperó, y no pasó nada. El buitre, tieso como si temiera hacer huir a su presa si agitara las alas. Pasados los 20 minutos, el hombre, rendido, se fue.
No se debería de haber desesperado. Una de las fotos se publicó en la portada de The New York Times y acabó ganando un premio Pulitzer. Pero incluso así se desesperó. Y mucho. El hombre blanco era un fotógrafo profesional llamado Kevin Carter. A los dos meses de recibir el premio en Nueva York se suicidó.
Hay dos preguntas. La primera, ¿por qué se suicidó? La segunda, ¿por qué no ayudó al niño? La respuesta a la primera es relativamente fácil. La respuesta a la segunda es más interesante. Remontemos.
Kevin Carter nació en Sudáfrica en 1960, dos años antes de que Nelson Mandela empezara su condena de 27 años de cárcel. Al llegar a la adolescencia empezó a entender que ser blanco en Sudáfrica significaba ser una de las personas más privilegiadas de la Tierra y, al mismo tiempo, cómplice de una atroz injusticia. Cumplidos los 24 años, Carter descubrió que el periodismo era el terreno donde libraría su guerra particular contra el apartheid.
Comenzó su carrera en 1984, cuando las poblaciones negras en las periferias de las grandes ciudades -como Soweto, que estaba al lado de Johanesburgo- se convirtieron en campos de batalla. Jóvenes militantes negros, cuya única fuerza residía en su ventaja numérica, lanzaban piedras a los policías y a los soldados, que respondían con gases lacrimógenos, balas de goma o balas de verdad. Cientos murieron, miles fueron encarcelados. Soweto ardía, y allá, casi permanentemente instalado, estaba Carter, fotógrafo novato de The Johannesburg Star, expiando su culpa.
La gran ironía de la historia reciente de Sudáfrica es que cuando salió Mandela de la cárcel en 1990, cuando empezó el proceso de paz que condujo cuatro años después a la democracia, se desató una violencia mucho mayor. Durante casi la totalidad de aquellos cuatro años, Soweto y otra media docena de poblaciones negras en los alrededores de Johanesburgo vivieron una anarquía asesina demencial, nutrida por opositores al proyecto democrático, en la que murieron unos 12.000. Allí, una vez más, estaba Carter. Todos los días. Se presentaba temprano por la mañana a los campos de la muerte, como se presentan los oficinistas a sus lugares de trabajo.
 Siempre que llegaba a estos lugares, en pleno tiroteo o minutos después de una masacre, ahí veía a Kevin Carter, sudado, polvoriento, bolso sobre el hombro, cámara en mano. A él y a sus tres amigos fotógrafos, Ken Oosterbroek, Greg Marinovich y João Silva. Les llamaban a los cuatro “el Bang Bang Club”. Hacían fotos espeluznantes y se exponían a peligros extraordinarios. Yo había llegado a Sudáfrica en 1989 tras seis años cubriendo las guerras de Centroamérica.  Con un Kaláshnikov, una lanza, un machete o una pistola. Ahí trabajaba Carter. Ahí se pasaba desde las cinco de la madrugada hasta el mediodía haciendo fotos de gente matando y de gente muriendo.
Para poder hacer ese trabajo es necesario blindarse, armarse de una coraza emocional. No se puede responder a lo que uno ve como un ser humano normal. La cámara funciona como una barrera que lo protege a uno del miedo y del horror, e incluso de la compasión. Carter y sus tres camaradas dormían poco, además, y consumían drogas de todo tipo. Pasaban sus días y sus noches en un acelere mental y en un estado de anestesia emocional casi permanentes. Si se hubiesen detenido un instante a reflexionar sobre lo que hacían, si hubiesen permitido que los sentimientos penetraran la epidermis, habrían sido incapaces de hacer su trabajo. El entorno era alocado, pero el trabajo era importante. Si se hubieran quedado en sus casas o se hubieran expuesto a menos peligro, habría habido más muertos, menos presión política para acabar con la violencia. Ésta era la contribución de Carter a la causa de sus compatriotas negros.
En marzo de 1993 se tomó unas vacaciones de Tokoza y Katlehong y se fue a Sudán. Ahí, apenas aterrizar, es donde vio al niño y el buitre. Respondió con el frío profesionalismo de siempre. No habría podido elegir otra manera de actuar. Estaba programado, anonadado. El único objetivo era hacer la mejor foto posible, la que tuviera más impacto. Ahí empezaba y terminaba su compromiso. La lógica era muy sencilla: si hacía una foto potente, se beneficiaría a sí mismo, pero también ampliaría la sensibilidad de los seres humanos en lugares lejanos y tranquilos, despertando en ellos aquella compasión -precisamente- que en él estaba necesariamente adormecida.
Por eso no hizo nada para ayudar al niño. Porque si la hubiera ayudado, no habría podido hacer la foto. Porque había llegado al límite de sus posibilidades. 
El problema era que la gente normal, empezando por su propia familia, no lo entendía. Fuera donde fuera, le hacían la misma pregunta. “Y después, ¿ayudaste al niño?”. Se convirtió en un agobio, una pesadilla. Los únicos que no le hacían la pregunta, porque para ellos no era necesario hacerla, eran los amigos del Bang Bang Club.
En abril de 1994 le llamaron desde Nueva York para decirle que había ganado el Pulitzer. Seis días después, su mejor amigo, Ken Oosterbroek, murió en un tiroteo en Tokoza. Toda la emoción reprimida a lo largo de cuatro años salvajes explotó. Carter se quedó destruido. Lloró como nunca y lamentó amargamente que la bala no hubiera sido para él.
El mes siguiente voló a Nueva York, recibió el premio, se emborrachó, incluso más de lo habitual, y volvió a casa. La guerra se había terminado. Mandela era presidente. Sudáfrica tuvo su final feliz, pero la vida de Carter dejó de tener mucho sentido. Quizá en parte porque el peligro de la guerra había sido su droga más potente, la que le había creado mayor adicción. Siguió trabajando, pero, perseguido por la muerte de su amigo y -ahora que se había quitado la coraza- la angustia moral retrospectiva de la escena con la niña sudanesa, se hundió en una profunda depresión. No podía trabajar, o si lo intentaba, caía en errores absurdos. Llegaba tarde a entrevistas, perdía rollos de fotos que ya había hecho. Y tenía problemas en casa: deudas, desamor...
El 27 de julio de 1994, exactamente tres meses después de las primeras elecciones democráticas de la historia de su país, Carter se fue a la orilla de un río donde había jugado cuando era niño, antes de que supiera lo que era el apartheid, el sufrimiento, la injusticia. Y ahí, por fin, dentro de su coche, escuchando música mientras inhalaba monóxido de carbono por un tubo de goma, logró la paz, la anestesia final de la muerte.

El 27 de julio de 1994 Carter llegó al río de Braamfontein Spruit, cerca del campo y el centro de estudios, un área donde él jugaba de pequeño y se suicidó, tras sumergirse en el río aspiro monoxido de carbono mediante una manguera pegada con cinta al tubo de escape de su camioneta. Finalmente, murió de intoxicación por monóxido de carbono a los 33 años. Se puede leer algo de su nota de suicidio:

"Estoy deprimido [...] sin teléfono [...] dinero para el alquiler [...] dinero para la manutención de los hijos [...] dinero para las deudas [...] ¡¡¡dinero!!! [...] Estoy atormentado por los recuerdos vividos de los asesinatos y los cadáveres y la ira y el dolor [...] del morir del hambre o los niños heridos, de los locos del gatillo fácil, a menudo de la policía, de los asesinos verdugos [...] Me ido a unirme con Ken, si soy yo el afortunado." 

Johnny Depp

Uno de mis actores favoritos, cuya historia es bastante interesante, ha hecho todo tipo de papeles totalmente diferentes uno del otro. Es un ídolo este hombre.
Johnny Depp nació en Kentucky, hijo de la camarera Betty Sue Palmer y John Christopher Depp, un ingeniero civil. Tiene un hermano, Daniel (que es un escritor), y dos hermanas: Christie, que trabaja como su administradora personal, y Debbie. Cabe señalar que Depp tiene ascendencias francesa, alemana, cheroqui e irlandesa, por lo que el propio Depp se autocalifica en entrevistas como un perro mestizo.  Depp se mudó varias veces en su infancia: más de veinte lugares de mudanza acabaron en Miramar (Florida) cuando el actor tenía tan solo siete años. A sus 15 años (1978) sus padres se divorciaron y tuvo una etapa bohemia, durante la cual se sumió en las drogas. Depp, considera esta etapa como superada.
Una de las peores etapas por las que pasó fue como dice: «la etapa oscura de mi vida»: durante su separación con Ryder, Johnny asistía a ciertas fiestas liberales como una forma de olvidarse por todo el dolor que había pasado. Después, Depp fue detenido por romper una suite. Según explicó: «Llegué a mi cuarto muy cansado, abrí el armario, y de repente un armadillo saltó hacia los muebles, destruyendo todo a su paso y al terminar saltó a la ventana y se fue dejando todo el desastre».
En 1983, tres años después de su llegada a California, Depp se casó con la maquilladora Lori Anne Allison, de quien se terminó divorciando en 1985. En 1998 comenzó su relación con la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis; ella captó su atención en la sala de un hotel en París mientras él filmaba la película The Ninth Gate (1999) en el mismo lugar. Contrariamente a la opinión popular, la pareja no se casó, aunque tuvieron una hija, Lily-Rose Melody Depp y un hijo, John (Jack) Christopher Depp III. Depp compró una isla en las Bahamas. En junio de 2012, tras varios meses de rumores al respecto, Johnny Depp y Vanessa Paradis confirmaron su separación.
Johnny es un ávido lector y en su tiempo libre disfruta de la pintura. Además, colecciona obras de arte y visita museos de arte.
A los doce años, su madre le compró una guitarra eléctrica, y Johnny comenzó tocando en varias bandas de garaje. Su primera banda fue en honor de su novia. Cuando tenía quince años, sus padres se divorciaron, y Depp se refugió en el alcohol y las drogas, y dejó la escuela secundaria para convertirse en un músico de rock. Una vez explicó en "Inside the Actors Studio" que intentó volver a la escuela dos semanas después, pero el director le habló de seguir su sueño de ser un músico. Tocó con The Kids.
Antes de ser actor, trabajaba como vendedor cobrando $25 semanales. Pero su suerte llegó cuando ocupó el papel de policía Tommy Hanson en 21 Jump Street (1987-1991). De ahí en adelante su carrera no ha parado y sigue acumulando miles de películas, todas ellas hechas con gran esfuerzo y esmero de su parte.
Sabían que Johnny Depp  tiene más de ocho tatuajes, el más famoso de ellos dice Wino Forever en su brazo derecho. El tatuaje decía Winona Forever (en honor a Winona Ryder), pero él se hizo quitar la N y la A con láser después de que rompieron
A Johnny Depp le pagaron $18 millones de dólares por su papel en Charlie and the Chocolate Factory.

Películas en las que él ha participado y considero muy buenas: Piratas del Caribe (todas me encantan),  Enemigos públicos, Eduardo Manostijeras, Charlie y la fábrica de chocolate, entre otras.

Frases de Johnny Depp

“No voy de capitán Raro. Hago lo que hago, nada más.”
“Cuando veo a alguien que persigue su sueño y lo consigue, y que hace lo que quiere sin necesidad de dar explicaciones, y sin perjudicar a nadie, claro está, me parece genial.”
“Los personajes que he interpretado y que me han llegado siempre han tenido algo de alma en pena.”
“Me encantó hacer el papel de Eduardo Manostijeras porque no hay nada cínico, hastío ni impuro en él.”
“Si estás enamorado de 2 mujeres a la vez, escoge a la segunda, porque si amaras a la primera, no te hubieras enamorado de la segunda.”
“Lo único que me importa en la vida es ser un buen padre. No puedo decir que la oscuridad desaparezca del todo. Sigue ahí. pero nunca me he visto tan cerca de la luz como en estos tiempos.”
“Soy tímido, paranoico, la palabra que uno quiera emplear. No soporto la fama. He hecho todo lo posible para evitarla.”
“Los únicos seres que son suficientemente evolucionados para transmitir un amor puro son los perros y los niños.”
“Los premios tienen menos importancia que el hecho de que un niño de 10 años te diga que ama al capitán Sparrow.”

Tim Burton

Uno de los hombres del mundo del cine que amo. Es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos

Creo que es lo mejor que tienen sus obras, realmente a veces me gustaría tener la imaginación que tiene este hombre, el ha trabajado con grandes actores como Johnny Deep que es uno de mis favoritos.  Este sello de identidad se hace patente en películas como Batman y The Nightmare Before Christmas, esta última fue producida por él. Adquirió gran fama al dirigir exitosos filmes entre los que se encuentran Edward Scissorhands y Charlie y la fábrica de chocolate. Desde que dirigió su primer largometraje (La gran aventura de Pee-Wee) en 1985, ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, algunas de ellas han sido notablemente premiadas. Con Corpse Bride fue candidato al Óscar a la mejor película de animación en 2006.

Dicen que unos de sus pasatiempos favoritos era asustar a los hijos de sus vecinos alegando el arribo de criaturas extraterrestres que invadirían la Tierra. Uno de sus principales entretenimientos fue el diseño, aspecto en el que demostró tener talento tras concursar y ganar una competencia de trazos que serían usados en los camiones urbanos de su ciudad natal. Sus vecinos lo catalogaban como un «inadaptado social con apetito frecuente por la ciencia-ficción y el terror», debido a su afición por las películas de terror de bajo presupuesto.

Este gran productor ha hecho muchas películas bastante interesante, originales, con una gran trama entre ellas: El cadáver de la novia, Charlie y la fábrica de chocolate, Batman,  Alicia en el País de las Maravillas, El joven manos de tijera, El extraño mundo de Jack y muchas otras más.

Citas de Tim Burton:

Me gustan los cuentos fantásticos porque puedes encontrar infinidad de verdades en un historia de apariencia surrealista.

En este negocio, la gente olvida que hacer cine es un arte.

La animación stop-motion genera un material que me parece muy emocional, tienes la sensación palpable de que es algo hecho a mano.

Claro, cuando era niño nadie quería jugar conmigo. Y ahora me vengo con mis películas.

Nirvana

En aquellos tiempos el estilo punk se había expendido por todo Seattle, ciudad que vio nacer a esta banda que sería la representante de todo un género de música, el grunge.  Kurt Cobain, líder de la banda, se refirió así mismo  en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X".
Kurt Cobain fan de The Melvins, asistía a todos sus ensayos y a todos sus conciertos y les ayudaba a cargar y descargar el equipo, cuando Matt Lukin llevo a Kurt a presenciar su primer concierto en directo: Black Flag, en Seattle. A través de los Melvins, Kurt conoció a Krist Novoselic, que realizaba trabajos ocasionales. Por aquel entonces Wendy Cobain echó a su hijo de casa y durante un verano Kurt acampó debajo de un puente (donde salió "Something In The Way"). En ese entonces Kurt y Novoselic se la pasaban rayando las paredes de Aberdeen (ciudad de Seattle donde crecieron)  con pintas como "god Is Gay" o "Die God".
El primer single de Nirvana fue grabado en 1988 y producido por Jack Endino. Se componía de dos canciones: "Love Buzz" versión del grupo holandes Shocking Blue y "Big Cheese". A la bateria el nuevo tercer miembro de Nirvana, Chad Channing. Sólo se editaron 1.000 copias. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 1970 de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista, en 2001, con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira, álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia. Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde. Sin embargo, nadie mencionaba a Nirvana.
En junio de 1989 el guitarrista Jason Everman se convertía en el cuarto miembro de Nirvana. Aunque solo duro tres meses en el grupo, su foto y su nombre figuran en la portada de Bleach, pese a que no toco una sola nota en el disco. Para entonces los Nirvana habían tomado por costumbre destrozar sus instrumentos al final de casi cada actuación, aumentando así sus ya graves problemas económicos. En marzo de 1990 Nirvana entraba a grabar su segundo álbum, producido por Butch Vigaen en los Smart Studios. A los dos días el baterista de Nirvana, Chad Channing, abandonó el grupo y fue sustituido por un breve tiempo por Dan Peters, que venía de Mudhoney, y que a Mudhoney acabo volviendo. El baterista definitivo de Nirvana seria Dave Grohl, que había tocado previamente con Brain, Damage y Scream.
Siguiendo recomendaciones de Kim Gordon, integrante de Sonic Youth, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990. La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía discográfica. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.
Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios Sound City en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación. Después de que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos, por lo que decidieron buscar a alguien que las mejorara. Kurt no quería trabajar con productores conocidos por miedo a que las canciones quedasen parecidas a las de otras bandas. Entonces llamó a  'Slayer': Andy Wallace.
Wallace llevó el álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero".  Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson y superando también a Use Your Illusion de Guns N' Roses,8 un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge.
En febrero de 1992, al finalizar la gira por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawái. En agosto, Love dio a luz a una niña, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas. Un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la actuación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium". Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y, para dar un "aire dramático", lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de instrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses, Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda.

En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de rarezas. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.
Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor y músico Steve Albini, conocido por su trabajo de producción en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en dos semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en Nevermind. La grabación se hizo en Pachyderm Studio, Minnesota.
Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar. Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio. Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". En realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves,14 y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum.

Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me".
Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)
En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets, y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificado por la tragedia que se avecinaba.
A comienzos de 1994, la banda se embarcó en una gira por Europa. Aunque el tour comenzó bien, los conciertos gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. l 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. El espectáculo de la noche siguiente fue cancelado. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto de la gira fue cancelada.
En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una reunión fue organizada por familiares y amigos de Kurt Cobain y convencieron a éste para entrar en rehabilitación. Con menos de una semana en rehabilitación, Cobain escapó del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle. Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York.  Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas".
En los años posteriores a la disolución de Nirvana, sus dos miembros vivos siguieron activos. Después de la muerte de Cobain, Grohl grabó una serie de demos que finalmente se convirtieron en el álbum debut de los Foo Fighters. Además, Grohl ha participado como baterista para bandas y artistas como Tom Petty and the Heartbreakers, Mike Watt, Queens of the Stone Age, Tenacious D, Nine Inch Nails, Garbage, Cat Power y Killing Joke, además de participar como guitarrista en el álbum Heathen de David Bowie. También grabó un álbum de canciones de metal con varios de sus músicos favoritos de metal de inicios de los 80 bajo el nombre Probot. Posterior al fin de Nirvana, Novoselic formó Sweet 75. Más recientemente, fundó Eyes Adrift con Curt Kirkwood (ex-Meat Puppets) y Bud Gaugh (ex-Sublime). También tocó en la banda No WTO Combo con Kim Thayil de Soundgarden y Jello Biafra de Dead Kennedys.

Ser FAN

Hablemos de algo que vemos siempre cuando entramos a un tumblr, un twitter, un flog, etc. El amor que sienten muchos por sus adorados ídolos. Yo comparto ese sentimiento, de querer a alguien que quizás no puedas conocer nunca, pero en realidad uno ya siente que los conoce de hace mucho.
Cuesta a veces ver que un ídolo va desapareciendo de a poco, pero de nuestros corazones y mentes jamás. A mi me ha pasado que mi artista favorito, Kurt Cobain, murió en 1994. Pero para mi el no está en una tumba, abajo de la tierra, para mi el esta siempre en sus canciones esperando a que alguien le de el play. Yo creo que las canciones de Nirvana hablan mucho de situaciones comunes, que uno puede vivirlas o verlas por la tv, internet. Un ejemplo es la canción Polly, Kurt leyó en el diario una nota acerca de la violación de una niña de 14 años, la secuestraron por varios días. Muchos acusaron a Nirvana de promover la violación, cuando en realidad ellos querían contar uno de los casos mas horribles y conmovedores que se había dado en una ciudad como Seattle, que para muchos era sinónimo de "tranquilidad".
En fin, también se han dado casos de bandas que aparecen, desaparecen y vuelven a aparecer xD Yo las llamo bandas go and back(? No mentira :P jaja. Esto a veces sucede porque los integrantes de la banda ya no quieren estar juntos (Guns 'n' Roses), porque quieren tomarse un tiempo para emprender nuevos proyectos cada uno por su lado (Jonas Brothers) o simplemente van y vienen (30 Seconds to mars).
Yo creo que ninguno tenemos el derecho a juzgar los ídolos, ni andar mortificando al otro por que le guste cierto artista o grupo. Sin embargo, tampoco hay que comparar como muchos hacen, duele ver que comparen a un artista que fue una leyenda en sus años con uno de ahora. Es el caso típico de: Justin Bieber es el Kurt Cobain de esta generación o que el se siente como Kurt. Seamos sinceros, en la época de Kurt, en los 90 las cosas eran totalmente diferentes y Kurt es diferente a Justin. No hablo de lo físico sino de los pensamientos de cada uno, la situaciones que vivieron. Lo que sea, yo digo que simplemente no los comparemos porque va a ser una pelea sin fin y tonta.
También esta el otro caso de comparación entre 1 Direction y The Beatles, por favor, una banda de los 60's con una de ahora, ¿Quien tiene más fans? ¿Quien vende más albums? Los Beatles siempre serán los legendarios que dieron origen al rock, influenciaron miles y miles de bandas. 1D También será recordado por sus fans, como los Beatles por los suyos.
Bueno yo estoy de acuerdo con ciertos artistas que hablan sobre respetar a sus colegas:

"Respeto mucho a todos los músicos. Para mí, cualquier persona que escribe un tema y se sube a un escenario a interpretarlo ya merece todo mi respeto." Dave Grohl.

"Cuando veo a alguien que persigue su sueño y lo consigue, y que hace lo que quiere sin necesidad de dar explicaciones, y sin perjudicar a nadie, claro está, me parece genial." Johnny Depp

"El rap es la única forma vital de música introducida desde el punk rock" Kurt Cobain

La Amistad

Creo que es un tema bastante personal hablar de los amigos. Siempre hay frases como: "Dime con quien andas y te diré quien eres". Puede ser que sea cierto, pero en mi caso no es tan así, creo. Somos un grupo bastante complejo con gustos, actitudes, familias, emociones, y otros aspectos, totalmente distinto. Creo que eso lo hace mas lindo al grupo, y te hace poner en práctica la paciencia xD Siempre pienso que la amistad esta basada, mas allá de compartir momentos, en la lealtad y la confianza. Quizás haya mucha gente que tiene amigos que están en un lugar lejano, pero siguen hablando y recordando, como si no existieran esos kilómetros que los separan.
Sepan que a un amigo hay que respetarlo por como es, es feo pedirle que cambie en algunas cosas, cuando en realidad solo el se dará cuenta que para seguir manteniendo ese vínculo de amigos, debe cambiar ciertas cosas. Jamas critiquen algo o alguien que les gusta, así como nosotros saltamos por defender a nuestros seres queridos, idolos, o lo que sea, es obvio que nuestros amigos también lo harán.
A mi me pasa que tengo friends que les gusta hacer bromas, a veces me la banco otras veces no. Pero al fin y al cabo seguimos siendo amigas, porque por mas raro que sea nos queremos y nos aguantamos. Generalmente cuando me hacen una broma, pienso: Con ellas voy a vivir 7 años. Debido a que vamos a estudiar juntas en la universidad. Sin embargo creo que hasta eso todo cambiaría.
Si un amigo es realmente un amigo, siempre va a estar, nunca se va a alejar. Y si se va, va a volver tarde o temprano.
Un amigo te respeta, te escucha y no te critica. Se preocupa por el otro, trata de estar en esos momentos mas importantes.
Será un hermano, la persona que te entienda, la que te aconseja y quiere lo mejor para vos.

Wilson y House

Existen muchos puntos de vista respecto a la amistad. Hay gente que cree que ni siquiera existe, que en realidad hoy por hoy no se puede confiar en nadie. No los culpo por pensar así, lamentablemente a veces la persona en la que mas confías, a veces te mete un cuchillo por la espalda y bien profundo.
Para mi si existe la amistad, simplemente que hay que cuidarla y mantener esa confianza siempre. No andemos contando por ahí lo que me contó fulanita que hizo con venganito. Salvo si es importante, pero después que... a casi nadie le importa lo del otro xD.
Espero que les sirva de algo esto y sepan que si tienen un amigo, o amiga que la quieren como si fuera una hermana/o no lo dejen ir, estén con ellos, hablen con ellos. La vida sin un amigo sería triste, hasta Dr. House tiene amigos que lo aman, como Wilson, su fiel compañero :3

No se si les ha pasado, pero un amigo no tiene que ser unicamente una persona, puede ser una mascota xD en mi caso tengo tres perros que los amo. Estoy estudiando o viendo la tv y se hecha uno al lado mio, para que los acaricie, les gusta la música que escucho y simplemente están a mi lado. Pidiéndome cariño, atención, comida xD Que para mi eso no es nada, a comparación de la compañía que me dan.